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59 Bayadère
Atelier EGR
ISBN 978-2-492680-32-8
22 €
FR — « Au-delà des signes les plus visibles du volume épais et coloré, au-delà de la rencontre urbaine frontale avec cette teinte profonde, massive, continue et englobante de l’édifice, une promesse se dessine: celle d’une expérience profonde et immédiate qui laisse à chaque usager la possibilité de construire un lien fort et étroit à l’architecture grâce à ses éléments fondamentaux rendus présents, sensibles et lisibles. » (extrait de la préface de Jean-Christophe Quinton)
« J’aime rêver aux ruines de nos projets, rêver que les fissures éclatent sous la pression d’un figuier trop proche, que des lézards se réchauffent sur un coin de mur, que des chardons jaunis brillent de leur sécheresse et tapissent la terre autour. Je voudrais revenir dans 2 000 ans pour les retrouver alanguis dans un silence sourd qui proviendrait du sol. Un silence sans âge. » (extrait du texte de Frédéric Einaudi)
59 Bayadère est le quatrième volume de la Collection du Cercle, une archive imprimée sous forme de recueil monographique des bâtiments construits par l’Atelier EGR. En associant le texte d’un architecte et le regard d’un ou plusieurs photographes, chaque volume procède à sa manière à une archéologie du projet, pour remonter à ses idées fondatrices.
Avec un texte de Jean-Christophe Quinton et des photographies de Agathe Rosa, Maxime Verret (chantier), Giaime Meloni (livraison).
EN — "Beyond the most visible signs of the thick, colourful volume, beyond the frontal urban encounter with this deep, massive, continuous and all-encompassing hue of the building, a promise emerges: that of a profound and immediate experience that gives each user the opportunity to forge a strong and close connection with the architecture thanks to its fundamental elements, which are made present, tangible and legible. (excerpt from the preface by Jean-Christophe Quinton)
"I like to dream of the ruins of our projects, to dream that the cracks burst under the pressure of a fig tree that is too close, that lizards warm themselves on a corner of the wall, that yellowed thistles shine with their dryness and carpet the ground around them. I would like to return in 2,000 years to find them languishing in a deafening silence that would come from the ground. A timeless silence." (excerpt from the text by Frédéric Einaudi)
59 Bayadère is the fourth volume in the Collection du Cercle, a printed archive in the form of a monographic collection of buildings constructed by Atelier EGR. By combining the text of an architect with the perspective of one or more photographers, each volume undertakes its own archaeological exploration of the project, tracing it back to its founding ideas.
With a text by Jean-Christophe Quinton and photographs by Agathe Rosa, Maxime Verret (construction site), and Giaime Meloni (completion).
Infos
FR — Couverture dure
Format 21×21 cm, 88 pages
Langues FR
Iconographie 35 images couleur, 8 images noir et blanc, 9 documents graphiques
Conception graphique Building Paris
Typographie Kessler Display (Alaric Garnier / Production Type)
Imprimé par PBtisk a.s. à Příbram (CZ)
EN — Hardcover
Format 21×21 cm, 88 pages
Languages FR
Illustrations 35 color images, 8 black & white images, 9 drawings
Graphic design Building Paris
Typeface Kessler Display (Alaric Garnier / Production Type)
Printed by PBtisk a.s. in Příbram (CZ)
Atelier EGR
architectes
FR — Fondé en 2013 par Frédéric Einaudi, Maxime Gil et Anthony Rodrigues, tous trois diplômés de l'École nationale supérieure d'architecture Paris-Belleville, l’Atelier EGR est engagé sur des projets de nature et d’échelle très différentes se souciant en permanence de sa relation à la ville. De l’étude urbaine à la construction de logements et d’équipements publics, les projets de l’atelier cherchent à s’inscrire dans une continuité culturelle et cherchent la juste mesure des moyens à employer pour offrir des réponses précises, sensibles et durables. L’approche attentive au contexte, à la mise en relation, mais aussi à la question de la construction et de la forme, aspire à créer une architecture responsable et empreinte de son époque. Le bureau a reçu le prix des Albums des jeunes architectes et paysagistes (AJAP) en 2016, prix décerné par le ministère de la Culture et de la Communication. En 2019 l’atelier est nommé au prix de l’Équerre d’argent dans la catégorie Première œuvre pour le projet de 12 logements sociaux à Jouques. En 2022 l’atelier est lauréat du prix européen 40 under 40.
EN — Founded in 2013 by Frédéric Einaudi, Maxime Gil and Anthony Rodrigues, all three graduates of the École nationale supérieure d’architecture Paris-Belleville, Atelier EGR is involved in projects of very different nature and scale, always concerned with its relationship to the city. From urban studies to the construction of housing and public facilities, the studio’s projects seek to be part of a cultural continuity and seek the right measure of means to be used to offer precise, sensitive and sustainable responses. The approach, which is attentive to the context, but also to the question of construction and form, aspires to create an architecture that is responsible and marked by its time. The office was awarded the Albums of Young Architects and Landscape Architects (AJAP) in 2016, a prize awarded by the Ministry of Culture and Communication. In 2019 the studio was nominated for the Équerre d’argent award in the category of First Work for the project of 12 social housing units in Jouques. In 2022 the studio won the European 40 under 40 prize.
Jean-Christophe Quinton
architecte
FR — Jean-Christophe Quinton, né en 1972, est diplômé de l’école Paris-Belleville en 2000. Il crée son agence en 2003. En 2004, il est lauréat des Nouveaux Albums des Jeunes Architectes et est mentionné au Chernikov Prize en 2010. Il enseigne en parallèle dans différentes écoles d’architecture et dirige, depuis 2015, l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Versailles. La monographie de son travail Vers l’immédiate étrangeté des formes a reçu en 2017 le Grand prix du livre d’architecture de la Ville de Briey. Il est membre titulaire de l’Académie d’Architecture depuis 2019.
EN — Jean-Christophe Quinton, born in 1972, graduated from the Paris-Belleville school in 2000. He created his own agency in 2003. In 2004, he won the New Albums for Young Architects and was mentioned in the Chernikov Prize in 2010. He also teaches in various schools of architecture and has been director of the École Nationale Supérieure d'Architecture de Versailles since 2015. The monograph of his work Vers l’immédiate étrangeté des formes (Towards the Immediate Strangeness of Forms) was awarded the Grand Prix du livre d'architecture by the City of Briey in 2017. He is a full member of the Academy of Architecture since 2019.
Agathe Rosa
photographe
FR — Née à Annecy en 1987, Agathe Rosa est artiste et photographe, diplômée de l'École nationale supérieure d'architecture de Marseille en 2010. Elle vit et travaille entre Marseille et Turin. L'acte photographique est la base de son processus créatif qui se déploie sous forme d'installation immersive, de dessin, d’assemblage d’objets, de vidéo et d’écriture. Son travail est régulièrement exposé en France et à l’international: au Centre Pompidou à Paris, au Centre culturel italien pour la biennale Manifesta à Marseille, au Centre culturel Saint-Exupéry à Reims, au Museo Helio Oiticica à Rio de Janeiro, au Museo Santa Maria della Scala à Sienne. En parallèle de sa recherche artistique, elle collabore avec des architectes en portant un regard à la fois précis et sensible sur l'architecture qu'elle photographie, notamment par l'apport de la lumière naturelle. Ses images sont publiées dans des revues spécialisées (AMC, AMAG, D'A, Divisare) et les œuvres architecturales photographiées sont souvent récompensées (Équerre d’Argent, Grand Prix d'Architecture, 40under40). Elle a enseigné dix ans en tant que maîtresse de conférence en Art et Techniques de la Représentation à l'ENSA Marseille.
www.agatherosa.com
higo.agatherosa.com
La pratique photographique d'Agathe Rosa s'inscrit dans le prolongement d'un travail artistique plus large. Artiste plasticienne représentée par la galerie italienne Société Interludio, elle développe depuis plusieurs années une œuvre faite d'installations, de dessins, d'objets ou de céramiques, où se rejouent sans cesse les relations entre lumière, espace et perception. Ses dessins, souvent traversés de lignes et de structures, peuvent se lire comme des plans ouverts et certaines installations prolongent ces tracés dans l'espace et dans la matière. Récemment, une de ses œuvres a rejoint les collections des musées de Marseille. Par ailleurs qualifiée comme Maître de Conférences, elle a enseigné dix ans à l’Ecole d’Architecture de Marseille.
La photographie d'architecture naît de cette attention aux formes construites et à leur capacité à produire des expériences sensibles. Architecte HMONP de formation, ayant travaillé en agence, Agathe Rosa possède une compréhension immédiate des projets: leurs logiques spatiales, leurs contraintes, leurs intentions. Elle a notamment collaboré avec des agences d'architecture primées, dont Ivry Serres et Laurent Beaudouin (Équerre d'argent 2022) pour la Médiathèque de Grasse. Mais ce savoir technique n'est pour elle qu'un point de départ. Ce qui l'intéresse est ailleurs: dans la manière dont un bâtiment respire, capte la lumière, dialogue avec son environnement, accueille les corps et les regards.
Sa pratique photographique s'inscrit ainsi dans un espace intermédiaire, entre précision et intuition. Elle observe les volumes, les matières, les reflets, les transitions de lumière, les situations parfois presque imperceptibles qui donnent au lieu son atmosphère. L'image devient alors moins une description qu'une manière de révéler ce qui se joue dans l'expérience du bâtiment. Plusieurs projets qu'elle a photographiés ont été récompensés ou nommés dans des prix d'architecture majeurs.
Le nom Hîgo s'est imposé à elle comme une évidence, apparu un jour dans un rêve avant qu'elle n'en découvre l'origine. Hîgo est le nom d'une ancienne province du Japon. Le mot évoque pour elle un ensemble de valeurs: la minutie, l'attention au site, le respect des matières, une relation subtile entre architecture et paysage. Plus qu'un simple nom, Hîgo est devenu une manière de penser le regard — une pratique attentive, presque silencieuse, qui cherche à laisser apparaître les qualités propres d'un lieu.
Chaque projet commence par une conversation. Plutôt qu'un simple échange technique, Agathe Rosa engage un dialogue avec les architectes: elle leur demande quelles images les accompagnent, quelles références — artistiques, littéraires ou cinématographiques — ont nourri leur projet. Cette exploration lui permet d'entrer dans leur univers, de comprendre l'imaginaire qui traverse le bâtiment.
À partir de là se dessine une manière de photographier: choix des cadrages, de la lumière, du moment, parfois même du format des images. La photographie devient une interprétation partagée. Lorsqu'elle arrive sur un site, elle prend d'abord le temps de regarder. Observer, marcher, attendre. Ressentir les ambiances, les variations de lumière, les respirations du lieu. Cette phase d'immersion lui permet de se détacher de la seule dimension technique de la prise de vue pour construire une relation plus sensible avec l'architecture.
Les images se composent alors comme les fragments d'un récit. Non pas une documentation exhaustive du bâtiment, mais une suite de situations qui en révèlent les tensions, les équilibres et les atmosphères. Dans ce travail, Agathe Rosa cherche moins à montrer un projet qu'à en transmettre l'expérience. À travers la précision douce de son regard, la photographie devient un espace de dialogue: entre l'architecte et le lieu, entre le bâtiment et ceux qui le regardent.
Et parfois aussi entre les images et les mots. Car accompagner les photographies par l'écriture fait partie intégrante de sa démarche: des textes qui racontent l'expérience du lieu et donnent cohérence au projet, du reportage photographique à sa diffusion. Une manière de prolonger le regard par le langage.
EN — Born in Annecy in 1987, Agathe Rosa is an artist and photographer who graduated from the École Nationale Supérieure d'Architecture de Marseille in 2010. She lives and works between Marseille and Turin. Photography is fundamental to her creative process, which takes the form of immersive installations, drawings, assemblages of objects, videos, and writing. Her work is frequently exhibited in France and internationally: at the Centre Pompidou in Paris, the Italian Cultural Center for the Manifesta Biennial in Marseille, the Saint-Exupéry Cultural Center in Reims, the Helio Oiticica Museum in Rio de Janeiro, and the Santa Maria della Scala Museum in Siena. Alongside her artistic research, she collaborates with architects, offering a precise and sensitive perspective on the architecture she photographs, particularly through the use of natural light. Her pictures are published in specialist magazines (AMC, AMAG, D'A, Divisare) and the architectural works captured in her photographs often win awards (Équerre d’Argent, Grand Prix d'Architecture, 40under40). She teached as a lecturer in Art and Representation Techniques at ENSA Marseille for ten years.
www.agatherosa.com
higo.agatherosa.com
Agathe Rosa’s photographic practice forms part of a broader artistic practice. A visual artist represented by the Italian gallery Société Interludio, she has for several years been developing a body of work comprising installations, drawings, objects and ceramics, in which the relationships between light, space and perception are constantly re-examined. Her drawings, often criss-crossed with lines and structures, can be read as open plans, and certain installations extend these lines into space and matter. Recently, one of her works was acquired by the museums of Marseille. She also holds the title of Senior Lecturer and taught for ten years at the Marseille School of Architecture.
Architectural photography stems from this focus on built forms and their ability to evoke sensory experiences. Trained as an architect (HMONP) and having worked in architectural practices, Agathe Rosa possesses an immediate understanding of projects: their spatial logic, their constraints, their intentions. She has notably collaborated with award-winning architectural practices, including Ivry Serres and Laurent Beaudouin (Équerre d’Argent 2022) on the Grasse Media Library. But for her, this technical knowledge is merely a starting point. Her interest lies elsewhere: in the way a building breathes, captures light, interacts with its surroundings, and welcomes people and their gaze.
Her photographic practice thus occupies an intermediate space, between precision and intuition. She observes volumes, materials, reflections, transitions of light, and the sometimes almost imperceptible situations that give a place its atmosphere. The image then becomes less a description than a way of revealing what is at play in the experience of the building. Several projects she has photographed have won or been shortlisted for major architecture awards.
The name Hîgo came to her as a matter of course, appearing one day in a dream before she discovered its origin. Hîgo is the name of an ancient province in Japan. For her, the word evokes a set of values: meticulousness, attention to the site, respect for materials, and a subtle relationship between architecture and landscape. More than just a name, Hîgo has become a way of thinking about perception — an attentive, almost silent practice that seeks to reveal the unique qualities of a place.
Every project begins with a conversation. Rather than a mere technical exchange, Agathe Rosa engages in a dialogue with the architects: she asks them what images come to mind, what references—artistic, literary or cinematic—have inspired their project. This exploration allows her to enter their world, to understand the imagination that runs through the building.
From there, a photographic approach begins to take shape: the choice of framing, lighting, timing, and sometimes even the format of the images. Photography becomes a shared interpretation. When she arrives at a location, she first takes the time to look. To observe, to walk, to wait. She senses the atmospheres, the variations in light, the rhythms of the place. This phase of immersion allows her to step away from the purely technical aspects of taking the photograph and build a more sensitive relationship with the architecture.
The images then come together like fragments of a narrative. Not an exhaustive documentation of the building, but a series of situations that reveal its tensions, balances and atmospheres. In this work, Agathe Rosa seeks less to showcase a project than to convey the experience of it. Through the gentle precision of her gaze, photography becomes a space for dialogue: between the architect and the site, between the building and those who view it.
And sometimes, too, between images and words. For accompanying his photographs with writing is an integral part of his approach: texts that recount the experience of the place and lend coherence to the project, from the photographic reportage to its dissemination. A way of extending the gaze through language.
Maxime Verret
photographe
FR — Maxime Verret est photographe indépendant, diplomé d'Auguste Renoir en 2011 puis des Gobelins en 2013. Basé à Marseille, il consacre son travail photographique au skateboard jusqu'en 2020, donnant lieu à des expositions individuelles et collectives sur les villes et leurs habitants. Cette pratique l'amène à aiguiser son regard sur l'espace urbain et à collaborer avec de nombreuses agences d'architecture et d'urbanisme. Il poursuit aujourd'hui la photographie de paysage comme pratique artistique, motivée par la contemplation des interactions entre l'homme et la nature dans le paysage.
EN — Maxime Verret is a photographer, graduating from Auguste Renoir in 2011 then from Gobelins in 2013. Based in Marseille, he devoted his photographic work to skateboarding until 2020, resulting in solo and group exhibitions on cities and their inhabitants. This practice leads him to sharpen his look at urban space and to collaborate with numerous architecture and urban planning offices. He now pursues landscape photography as an artistic practice, motivated by contemplating humans & nature interactions.
Giaime Meloni
photographe
FR — Giaime Meloni est chercheur visuel et docteur en architecture, vivant actuellement entre deux îles: l’Île-de-France et la Sardaigne. Son travail tente d’explorer le rôle de la photographie comme instrument sensible pour raconter la complexité de l’espace. Ses recherches ont été publiées dans diverses publications et exposées dans plusieurs musées et centres d'art européens. Il fonde en 2015 avec Cyrille Weiner, Atmosphériques Narratives, un studio de recherche et création éditoriale au service de la diffusion de l’architecture. Giaime Meloni enseigne à l’École d’architecture de la ville & des territoires Paris-Est depuis 2017, notamment la culture visuelle et la construction visuelle du projet. Il est l'auteur des ouvrages Das Unheimlich (Skinnerboox, 2020) et, avec Giorgio Peghin, Voyages en Sardaigne. Nelle miniere di Iglesias. Into the Mines of Iglesias (Caryatide, 2022).
EN — Giaime Meloni is a visual researcher and doctor of architecture, currently living between two islands: Île-de-France and Sardinia. His work attempts to explore the role of photography as a sensitive instrument to narrate the complexity of space. His research has been published in various publications and exhibited in several European museums and art centres. In 2015 he founded Atmosphériques Narratives with Cyrille Weiner, a research and editorial studio dedicated to the diffusion of architecture. Giaime Meloni has been teaching at the École d’architecture de la ville & des territoires Paris-Est since 2017, in particular visual culture and the visual construction of projects. He is the author of the books Das Unheimlich (Skinnerboox, 2020) and, with Giorgio Peghin, Voyages in Sardinia. Nelle miniere di Iglesias. Into the Mines of Iglesias (Caryatide, 2022).
Building Paris
graphistes
FR — Building Paris est un studio de design graphique et de direction artistique fondé par Benoît Santiard et Guillaume Grall en 2012. Convaincus que le design doit avant tout se mettre au service d’un contenu, leur production est marquée par un goût prononcé pour l’évidence et veille à s’adapter à chaque contexte en portant un soin particulier au détail typographique. Dans la continuité de leur pratique, ils enseignent au sein du champ Représentation à l’École d’architecture de la ville & des territoires Paris-Est depuis 2008. Le studio travaille sur des projets d’édition, d’identité visuelle et d’exposition, aux sujets et aux échelles variés, où la contrainte (temporelle, économique, matérielle) est un élément moteur du processus créatif. Ils aiment citer Renaud Huberlant, graphiste et enseignant belge: «Générer du contenu ne peut se faire que si on comprend ce sur quoi on travaille. C’est une question de procédure, pas d’esthétique. Cela signifie: si les choses sont bien pensées, les formes seront bonnes.» Leur intérêt pour l’architecture les amène à collaborer régulièrement avec des architectes, des auteurs et des photographes.
EN — Building Paris is a graphic design and art direction studio founded by Benoît Santiard and Guillaume Grall in 2012. Convinced that design must above all serve content, their production is marked by a pronounced taste for the evidence and ensures that it is adapted to each context by focusing on typographic detail. In the continuity of their practice, they have been teaching in the Representation field at the École d'architecture de la ville & des territoires Paris-Est since 2008. The studio works on publishing, visual identity and exhibition projects, with various subjects and scales, where the constraint (temporal, economic, material) is a driving force in the creative process. They like to quote Renaud Huberlant, a Belgian graphic designer and teacher: “Generating content can only be done if you understand what you are working on. It's a question of procedure, not aesthetics. That means: if things are well thought out, the forms will be good.” Their interest in architecture leads them to collaborate regularly with architects, authors and photographers.
